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Agenda
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Ongoing and upcoming Art Nouveau exhibitions, visits and more...
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Paris
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L'Art nouveau, la révolution décorative
Dates:18.04.2013-08.09.2013
Les deux expositions présentées simultanément sur les deux sites de la Pinacothèque, permettent aux visiteurs de découvrir la première rétrospective de l'Art nouveau français et son évolution en mouvement Art déco par l'intermédiaire d'une de ses icônes, Tamara de Lempicka.
En réaction au classicisme, l'Art nouveau n'impose aucune obligation à l'artiste. Conçu comme l'art de la liberté, il se dégage des convenances qui entravaient jusque-là la création. Les formes codifiées qui sont la caractéristique de l'académisme volent en éclats comme pour faire de l'Art nouveau un art transgressif au cœur duquel l'érotisme devient une donnée incontournable.
Conçu comme un art total, l'Art nouveau est partout, il est aussi bien peinture que mobilier, bijou, architecture et verrerie, référence à la nature, à la femme, aux plantes : l'interpénétration de tout en tout pourvu qu'elle chasse l'austérité et les règles.
Les grands noms de l'Art nouveau sont parmi les plus célèbres du tournant du xixe au xxe siècle. Ce sont Gallé, Daum, Mucha, Majorelle, Horta, Van de Velde, Gaudí, Guimard, Lalique, Grasset, Steinlein, Ruskin, Klimt ou Bugatti. Ils bouleversent les schémas de la vie et transforment son esthétique pour la rendre agréable et décorative.
L'Art nouveau est à son apogée de 1890 à 1905. Il devient rapidement le support d'une production foisonnante qui triomphe à partir de l'Exposition universelle de 1900 et que commencent à dénoncer les « inventeurs » du mouvement. Qualifiant avec mépris l'Art nouveau de style « nouille » ou « ténia », ses opposants suggèrent une idée de mollesse dans les images strictement ornementales et décoratives qu'il voulait imposer.
Juste avant la Première Guerre mondiale, ces critiques conduisent finalement à une évolution de l'Art nouveau vers un style nettement moins sophistiqué. Il s'affaiblit au point de devenir plus géométrique et laisse rapidement place à l'Art déco, qui prend la relève à partir de 1920. Totalement dénigré pendant plus de dix ans, c'est finalement les surréalistes qui œuvreront pour la réhabilitation de l'Art nouveau à partir des années 1930.
L'exposition que nous présentons aujourd'hui est la première rétrospective de l'Art nouveau français à Paris depuis 1960. Véritable événement, elle présente plus de deux cents objets qui, dans tous les domaines de la vie et des arts, ont bouleversé l'esthétique et la pensée culturelle de la planète qui vivait alors au son du classicisme et de l'académisme depuis plus de trois siècles. Cette exposition se concentre sur les fondateurs de ce mouvement et sur ses principaux créateurs, évoquant de façon exhaustive le meilleur de leur production, à l'exception de l'architecture.
Merci à Paul Greenhalgh, spécialiste mondial de l'Art nouveau et directeur du Sainsbury Centre for Visual Arts de l'université de Norwich, qui a accepté d'apporter toute son expertise à ce projet en tant que commissaire. Merci également à Mme Gretha Arwas, femme de M. Victor Arwas, grand collectionneur et auteur spécialiste de l'Art nouveau, ainsi qu'à M. Robert Zehil et Mme Mucha qui, par leur participation généreuse, ont rendu possible cette exposition.
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Genève 4
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L'Art Nouveau dans la rue
Dates:19.04.2013-26.10.2013
Affiches genevoises
BGE - Espace Ami Lullin
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Etterbeek
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Gaudí: architecture of anticipation
Dates:22.04.2013-17.11.2013
"Gaudí: architecture of anticipation" organised by the Government of Catalonia, presents the art and the creative genius of the Catalan architect, who has obtained a wide international recognition. The exhibition explains, in a panoramic and instructive manner, the enormous task which has been led by Antoni Gaudí and the innovative methods used to conceive his projects.
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Brussels
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Le Corbusier et la photographie
Dates:25.04.2013-06.10.2013
Exposition organisée par le CIVA, Musée des beaux-arts de La Chaux-de-Fonds et la Fondation Le Corbusier de Paris
Le Corbusier a rapidement saisi l'efficacité démonstrative et promotionnelle de la photographie. Durant toute sa vie, il a fait de l'image des usages différenciés : les voyages ont été l'occasion de réunir de nombreux documents d'une extrême richesse qu'il a utilisés dans son travail d'architecte, d'urbaniste, de théoricien et de plasticien. Il s'est ensuite servi d'un vaste répertoire iconographique pour illustrer ses écrits et ses expositions.
Enfin, il a construit son image sur et à l'aide du travail de plusieurs photographes renommés : Fred Boissonnas, Lucien Hervé, René Burri, pour ne citer que les plus connus. La photographie a donc, d'une part, étayé la construction logique de son travail d'architecture et lui a permis, d'autre part, de construire sa propre image. Sa personnalité, sa pensée architecturale et urbanistique, ses réalisations continuent d'interroger les spécialistes et d'intéresser le grand public, sans que jamais ne s'établisse de vérité consensuelle. La personnalité intellectuelle et professionnelle de l'architecte persiste à soulever des débats passionnés entre partisans et détracteurs.
Les sections de l'exposition embrassent tous les rapports de Le Corbusier à la photographie :
1. Le Corbusier, l'homme
2. Le Corbusier, photographe
3. Image et promotion de l'oeuvre de Le Corbusier par la photographie
4. Photographie et édition
5. Photographie et exposition
6. L'architecture de Le Corbusier dans la photographie contemporaine
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Den Haag
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Edith as a muse
Dates:26.04.2013-14.07.2013
A PROJECT BY PUCK VERKADE
Schiele painted the portrait of his wife not as a standard muse, but as a rather timid and wary young girl, dressed in the striped frock she had made from curtain fabric to wear at her wedding. In Edith as Muse, Puck Verkade explores the dividing lines between history, imagination and truth. She herself appears as a contemporary personification of Edith to take visitors on a unique tour of various installations dotted around the museum and composed of documents, videos and objects. In this exciting ‘gesamtkunstwerk’, featuring three installations, tours and interactive round table discussions, Verkade gets right under the skin of Schiele’s young wife.
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NANCY
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La Renaissance, un modèle pour l'Ecole de Nancy ?
Dates:04.05.2013-15.09.2013
Le milieu du XIXe siècle a porté un grand intérêt à la période Renaissance, incarnée en particulier en France, par la figure de Bernard Palissy. Dans le début de leur carrière, les artistes de l'Ecole de Nancyont été assez sensibles à ce mouvement artistique. Il existe de plus une certaine similarité dans le statut de l'artiste à ces deux époques, ce dernier étant un créateur complet, maîtrisant plusieurs domaines et adaptant les innovations contemporaines. La fin du XIXe siècle a en effet vu, comme au XVIe siècle, la mise au point de nombreux procédés techniques que l'Art nouveau a utilisé pour améliorer le cadre de vie quotidien et créer des objets pratiques et fonctionnels tels les lampes électriques, les pièces de mobilier...
Quelques oeuvres, principalement d'Emile Gallé, permettront d'illustrer ce propos. Et àl'occasion de cette exposition, le buffet Les Gueux de Gallé, inspiré des personnages gravés de Jacques Callot, est présenté dans les collections permanentes.
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Espoo
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The Finnish Boy and the Porridge Painter. Bohemian Nordic Artists
Dates:18.05.2013-01.09.2013
Akseli Gallen-Kallela studied art in Paris in the 1880s. This exhibition is about his friendship with Nordic artist colleagues in Paris. Known as bohemians, these artists flaunted the rules of convention and challenged the art establishment. The focus of the exhibition is on the friendship Gallen-Kallela and the Norwegian artist Carl Dørnberger (1864–1940).
The artists of the exhibition are: Carl Dørnberger (Norway), Elin Danielson-Gambogi (Finland), Albert Engström (Sweden), Akseli Gallen-Kallela (Finland), Sven Jørgensen (Norway), Eero Järnefelt (Finland) and Emil Wikström (Finland).
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Washington
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Edvard Munch: A 150th Anniversary Tribute
Dates:19.05.2013-28.07.2013
This 150th birthday tribute to Edvard Munch (1863–1944), Norway’s most famed painter and printmaker, includes more than 20 renowned works from the Gallery’s collection, such as Geschrei (The Scream) (1895), The Madonna (1895, printed 1912/1913), and a unique series of six variant impressions, Two Women on the Shore (1898, printed 1906–c. 1917 or later). Munch is today revered for his passionate visual expression of intense human experiences. “Art is your heart’s blood,” he said. His most famous image—a screaming figure, its eyes wide with horror—is an icon of anxiety, alienation, and anguish. Attraction, love, jealousy, and death were also recurring themes. In addition to these dramatic subjects, Munch made many telling portraits, tender visions of women, as well as sensitive studies of lovers, children, and adolescents. However, the real power of his art lies less in his biography than in his ability to extrapolate universal human experiences from his own life. In recent decades the National Gallery of Art has presented three major exhibitions of Munch’s work, the last in 2010.
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Granada
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Melilla Art Nouveau, classicist and eclectic
Dates:20.05.2013-25.05.2013
For five consecutive years the University of Granada and Melilla Monumental City Foundation organized this meeting of ten students and two teachers to study the Art Nouveau of Melilla.
This year's meeting takes place in Granada and Melilla from 20 to 25 May 2013 with the collaboration of the "Master of Art History knowledge and protection of historical heritage" and experts in cultural itineraries from the International Graduate School, of which the academic director is Dr D Salvador Gallego Aranda.
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New York
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Koloman Moser: Designing Modern Vienna 1897-1907
Dates:23.05.2013-02.09.2013
Neue Galerie New York will present a monographic exhibition devoted to the Austrian artist, designer, and Wiener Werkstätte co-founder Koloman Moser (1868-1918). This show surveys the sum of Moser’s decorative arts career, comprising important interior design commissions, examples of graphic design, furniture, textiles, jewelry, metalwork, glass, and ceramics, many of which are illustrated by rare preparatory drawings and prints.
"With this exhibition, we present the first American museum show devoted entirely to Koloman Moser," said Renée Price, Director of the Neue Galerie. "Often overshadowed by the more famous Josef Hoffmann, Moser will be a discovery for many."
"As a graphic artist, designer, and one of the foremost proponents of the Vienna Secession movement, Koloman Moser helped define the art of his time," said Ronald S. Lauder, President of the Neue Galerie. "Today, it is impossible to imagine Vienna 1900 without the influence of Moser."
The retrospective is curated by Dr. Christian Witt-Dörring, Curator of Decorative Arts for Neue Galerie New York, who also organized past Neue Galerie exhibitions, including Dagobert Peche and the Wiener Werkstätte, Viennese Silver: Modern Design 1780-1918 and served as co-curator of Vienna 1900: Style and Identity. This exhibition is co-organized by the Neue Galerie New York and the Museum of Fine Arts, Houston. Koloman Moser will be on view at the Museum of Fine Arts, Houston from September 25, 2013 to January 12, 2014.
A pioneer of modern design, Moser worked across diverse types of media both in two and three dimensions. This assemblage of over 200 works focuses on the period from 1897 to 1907 and explores the entirety of his material output, tracing the evolution of his early work as a graphic artist to his work as a furniture designer and interior architect. The show concludes with a focus on Moser’s seminal role as co-founder of the Wiener Werkstätte, a celebrated applied arts collective he formed with Josef Hoffmann and patron Fritz Waerndorfer in May 1903.
Designed by Chicago-based architect John Vinci, the exhibition will be styled as an immersive environment intended to capture the Viennese ideal of the Gesamtkunstwerk, or total work of art. Period wall treatments will also be recreated in order to evoke Moser’s design aesthetic. A fully illustrated catalogue, published by Prestel, will accompany the exhibition.
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Genève 4
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Toulouse-Lautrec
Dates:23.05.2013-23.05.2013
Les jeudis midi de la Bibliothèque de Genève
Cycle de conférences 2012-2013
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Bruxelles
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Timeless Brussels
Dates:23.05.2013-23.05.2013
Autour de l'avenue Louis Bertrand (Schaerbeek) : un décor Art Nouveau inchangé dans lequel la vie moderne grouille de surprises et de nouveautés.
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Bruxelles
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L’œuvre schaerbeekoise d’Henry Jacobs, architecte de l’Art nouveau
Dates:23.05.2013-23.05.2013
Françoise Jurion-de Waha, vient de publier « Le petit monde de l’architecte Henry Jacobs 1864-1935» avec l’aide de Aline Wachtelaer, archiviste communale.
Le livre met en lumière, pour la première fois, le travail de cet architecte Art Nouveau polyvalent. Jacobs est aussi à l’aise dans une architecture privée élégante, raffinée dans l’harmonie des matériaux et des couleurs, tout en restant classique dans le plan, que dans le logement social ou le logement moyen, où il privilégie le confort sans tomber dans la banalité et sans négliger l’apparence.
Si nous connaissons tout particulièrement Henri Jacobs à Schaerbeek c’est qu’il y vécut, avenue Maréchal Foch, dans une maison qui porte son monogramme et qu’il y fut un infatigable bâtisseur.
Il travailla longuement pour le Foyer Schaerbeekois et dessina entre autre, La Cité L’Olivier. Il bâtit de nombreux hôtel de maitres, des commerces mais avant tout, deux splendides groupes scolaires aujourd’hui classés : Le Groupe scolaire Josaphat – véritable palais scolaire – et le groupe scolaire Roodebeek.
Françoise Jurion, archéologue issue de l’Université libre de Bruxelles et active dans la protection du patrimoine bruxellois, proposera une conférence inédite sur Jacobs à Schaerbeek et mettra en lumière sa biographie, trop peu connue, ses amitiés et ses liens avec les commanditaires schaerbeekois.
Le livre sera disponible au prix de lancement de 49 € (au lieu de 60 €).
Editions de la Société Royale d’Archéologie de Bruxelles.
Entrée libre mais réservation souhaitée : Cabinet de Cécile Jodogne, Echevine de l’Urbanisme et du Patrimoine
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Bruxelles
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Les métiers et les matériaux de l'Art Nouveau - La Fonderie
Dates:25.05.2013-25.05.2013
Trop souvent, l'Art Nouveau n'est envisagé que sous des angles esthétique ou historique. L'objectif de ce parcours est d'aller en amont de ces considérations et de découvrir les savoir-faire et les techniques qui se cachent derrière quelques façades emblématiques.
Au 19è siècle, les architectes utilisent de plus en plus les productions industrielles, tant les matériaux que les éléments produits en série. Ils continuent cependant à faire appel à des artisans et des artistes qui démontrent une exceptionnelle maîtrise de leurs métiers.
Quelques étapes du parcours :
La maison privée de Victor Horta.
Voici sans doute la meilleure entrée en matière. La maison du maître permet d'introduire la plupart des thèmes qui seront développés par la suite.
Avenue Ducpétiaux.
Une très belle réalisation de Paul Hankar qui permet notamment de mieux comprendre l'usage et la production de la brique à la fin du 19è siècle.
Avenue Jef Lambeaux
Une maison dessinée par Alphonse et Victor Boelens qui illustre parfaitement l'utilisation grandissante de la fonte dans l'architecture à cette époque.
Parcours à pied.
Nombre maximum de participants : 25
Fin place Morichar, 1060 Saint-Gilles
Tarifs : 9€. Réduction + de 65 ans, étudiants, demandeurs d’emploi : 8€.
Réduction de 2€ si vous payez au plus tard 5 jours ouvrables avant la date du parcours (les modalités pratiques vous seront fournies lors de votre inscription).
Enfant de moins de 12 ans : gratuit.
La réservation n’est pas obligatoire. La Fonderie se réserve néanmoins le droit d’annuler des parcours et ne pourra prévenir que les gens qui s’y sont inscrits.
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Bruxelles
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Bruxelles 1900 - Art Nouveau - ARAU
Dates:25.05.2013-25.05.2013
"Ce tour en bus permet de comprendre la place de l'Art nouveau à Bruxelles, ses origines, ses caractéristiques techniques et esthétiques ainsi que la personnalité de ses illustres architectes. Le visiteur découvre les plus belles façades de l'Art nouveau bruxellois dont certaines sont désormais inscrites au patrimoine mondial de l'UNESCO.
Chaque tour inclut au moins deux des intérieurs suivants: l’hôtel Van Eetvelde de Victor Horta, l’hôtel Hannon de Jules Brunfaut, l’école n°1 d’Henri Jacobs, les anciens magasins Waucquez de Victor Horta ou encore l’ancien hôtel Cohn-Donnay de Paul Hamesse. Chaque visite inclut au moins deux de ces intérieurs.
Attention, ce tour est bilingue (français/anglais) excepté les samedis d'octobre (unilingue)."
FR - durée: 3H00, bus - 17 euros
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