Paris

La médaille en France aux XIXe et XXe siècles. Au creux de la main
Dates:11/12/2012-09/06/2013
L'art de la médaille prend au cours du XIXe siècle une place sans cesse croissante au sein de la vie artistique française. Le Salon annuel lui consacre une section autonome et à partir des années 1890, sous l'impulsion d'un conservateur, Léonce Bénédite, le musée du Luxembourg alors dédié aux artistes vivants et "ancêtre" du musée d'Orsay, débute la constitution d'une collection à part entière : c'est une partie de ce fonds de plus de deux mille médailles qui est présentée ici. Roger Marx, collectionneur et critique, crée la Société des amis de la médaille française en 1899. Des cabinets de médailles sont créés en maints endroits du territoire. Comme la sculpture, la médaille subit au XXe siècle le contrecoup du long désamour qui affecta l'art du XIXe siècle, et disparaît, à quelques exceptions près, aux yeux de l'amateur. Pourtant, loin de se cantonner aux formules codifiées de la commémoration, de la piété ou de la monnaie usuelle, plaquettes et médailles livrent une vision riche et multiple de la société française de la fin du XIXe siècle et du début du XXe. Elles consignent la mémoire de tous les aspects de la vie privée et publique, de la petite et de la grande histoire : portraits, anniversaires intimes, inventions scientifiques, politique internationale… Des prisons aux hôpitaux, du travail des champs au démoulage du pneumatique, du Club Alpin français aux aérostats, défile, souvent sous le signe du raffinement et de l'invention, le kaléidoscope vivant d'un monde en pleine mutation. Au creux de la main est réalisé en partenariat avec plusieurs institutions françaises qui présenteront à la même période un accrochage des médailles du XIXe et XXe siècles issues de leurs collections : Bibliothèque nationale de France Archives municipales de Marseille Monnaie de Paris Musée des Beaux-Arts de Lyon Palais des Beaux-Arts de Lille Petit Palais-musée des Beaux-Arts de la ville de Paris Avec le soutien des amis de Jules Clément Chaplain. Avec le mécénat de monsieur Michel David-Weill et de la famille Albertin.

Lille

L'art au creux de la main
Dates:12/12/2012-30/06/2013
Exposition organisée à l’initiative du Musée d’Orsay (Paris). Fruit du travail des plus grands sculpteurs et médailleurs de l’époque, la médaille fut très en vogue au XIXe et au début du XXe siècle. Apprécié des plus grands sculpteurs et médailleurs de l’époque, l’art de la médaille a connu un succès considérable de 1850 à 1930 ; il est à la fois officiel et intime, lié aux grands événements historiques, politiques, artistiques, scientifiques et sociaux mais aussi d’ordre privé et familial. Il met en image la petite histoire comme la grande tout en ayant la mission de la commémorer. Devenue confidentielle au fil du XXe siècle, la médaille connaît aujourd’hui un regain d’ intérêt de la part d’un public sensible à son histoire. Elle séduit par les fines qualités d’imagination, de composition et d’exécution déployées par les artistes pour servir un souvenir destiné à se contempler au creux de la main ; à cet égard, elle est source d’émotion. L’exposition constitue l’occasion de mettre en valeur la collection tombée dans l’oubli et qui pourtant fait apparaître les noms des meilleurs artistes tels que Jules Chaplain (1839-1909) l’auteur des pièces au coq ou Oscar Roty (1846-1911), l’auteur de la Semeuse. L’exposition s’articule autour de dons essentiels consentis dans les années 1880-1914 par le baron Alphonse de Rothschild, le sculpteur parisien Frédéric Vernon (1858-1912) et surtout le sculpteur lillois Hippolyte Lefebvre (1863-1935), ainsi que plus récemment par Elisabeth et Jacques Foucart, conservateurs au musée du Louvre. L’exposition donnera lieu à la publication d’un catalogue, ainsi qu’à la diffusion d’un petit guide de visite gratuit. Commissaires: Annie Scottez-De Wambrechies, conservateur en chef XVIIIe - XIXe s. Elisabeth De Jonckheere, assistante de conservation dept. XIXe s. François Becuwe, chargé de la collection numismatique, de la bibliothèque et de la documentation.

Denver

New Explorations in International Design 1878–2000
Dates:05/02/2013-31/12/2013
Though we had a soft opening in November, about 25 more extraordinary objects—from the December auctions of Sotheby’s, Christie’s, Quittenbaum (Munich) and others—have been added to our New Explorations exhibition. Now on display, as of February 5, are 101 objects which are new acquisitions (92), or haven’t been on view for over two years (9). Key Facts: Not since 2009 has our International Decorative Art Collection been showcased at Kirkland Museum in such a comprehensive way. These 101 items have been added to all eleven of our design areas: Arts & Crafts, Aesthetic, Art Nouveau, Glasgow Style, Wiener Werkstätte, De Stijl, Bauhaus, Art Deco, Modern, Pop Art and Post-Modern—a methodically planned, comprehensive growth. New Explorations in International Design 1878–2000 highlights our international design collection, recognized as one of the most important displays in North America, from the last quarter of the 19th century through the 20th century. Major, new acquisitions are integrated into the Kirkland’s salon settings. The 101 recently displayed objects are in addition to the many new decorative art acquisitions that have been put on view over the last several years. Although a corresponding number of objects have been rotated off view, of course, there is a net gain of quality and diversity. The hallmark salon atmosphere of Kirkland Museum, showing decorative and fine art together, has been maintained with inviting vignettes composed wherever possible. This makes us notably different in presentation from most other museums. The earliest work is a tapestry (1878) by the English artist William Morris, the initial driving force of the Arts & Crafts movement. The most recent work is a six-piece coffee/tea service (2000) by the late Eva Zeisel, made in a limited edition of 200 by the Lomonosov Porcelain Factory, St. Petersburg, Russia. The items have been integrated into the design groupings at the Kirkland, replacing some objects previously on display, so that they enhance the remaining objects and better define each design style within their areas. Objects in five different categories have been added: furniture (27), metal (17), ceramics (25), textiles (5) and glass (27). The diversity of these pieces strengthens both the educational experience and the entertainment experience.

BRUXELLES

Brunfaut’s, Progressive Architecture
Dates:08/02/2013-09/06/2013
L’exposition Brunfaut’s, Progressive Architecture, poursuit en 2013 le cycle des thématiques liées à l’architecture Belge de la période moderniste. Le modernisme ludique s’intéressait aux recherches purement formelles, Architectonic illustrait, par l’emploi du béton, le potentiel de l'architecture sociale du XXéme siècle. Willy Vander Meeren, lui, soulevait les questions de l’implication slocial de l’architecte et de son engagment politique (au travers la réalisation exemplaire de logements sociaux à Evere, notamment). Les Brunfaut sont des architectes progressistes, ouvertement engagés politiquement et acteurs majeurs de leur époque. Fernand (1886-1972) en tant que politicien, Gaston (1894-1974) en tant que critique et théoricien et Maxime (1909-2003) en tant que praticien, ont marqué Bruxelles et la Belgique de leurs empreintes militantes. En socialistes convaincus, ils s’intéressèrent, durant un siècle, via l’architecture, l’urbanisme et l'action politique, à l'amélioration du cadre de vies des travailleurs La prévoyance sociale, le Vooruit à Gand, le siège du Peuple, l'hôpital Bordet, le Sanatorium de Tombeek … sont autant d’exemples de l’implication des architectes dans l’action sociale. Exposition temporaire sur trois niveaux/ Sphère des expositions temporaires (niveaux 3, 4 & 5)

Wien

Clouds: Fleeting Worlds
Dates:22/03/2013-01/07/2013
From 1800 landscape painting experienced an impressive heyday. Within this genre, artists paid increasing attention to the motif of clouds. These strange, elusive formations consisting of water, air and light appear as conveyors of different emotions and messages. Bushy clouds in a sunny sky contribute significantly to the positive atmosphere of a landscape and seem to be an almost indispensible feature in idyllic depictions of nature. A sky traversed by dark rain and thunder clouds, on the other hand, is perceived as threatening, while a band of clouds bathed in the glow of the red evening light sets a melancholy mood. Bizarre cloud formations, in turn, can be interpreted as enigmatic signs, as mysterious messages and warnings of imminent danger. A sense of foreboding is also conveyed by masses of clouds that appear out of control, occasioned either by natural disasters or by man as a result of technical intervention, such as exhaust fumes and atomic explosions. The exhibition seeks to shed light on these different aspects of cloud depictions with a great variety of select examples of European and American painting and photography from 1800 to today. The presentation features works by Caspar David Friedrich, Carl Gustav Carus, William Turner, Claude Monet, Alfred Sisley, Paul Cézanne, Vincent van Gogh, John Constable, Ferdinand Hodler, Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, René Magritte, Ansel Adams, Alfred Stieglitz, Edward Steichen, Gerhard Richter, Anselm Kiefer, Paul Wolff, Olivier Masmonteil, Dietrich Wegner, Studio ++ to name but the most internationally famous representatives.

Erfurt

Peter Behrens. From Jugendstil to Industrial Design
Dates:24/03/2013-16/06/2013
Peter Behrens’ (1868–1940) artistic work encompasses all areas of applied art: book design and typography, painting and graphic reproduction, ceramic works such as tiles, pitchers and vases, furniture of all kinds and for every purpose, porcelain services, jewellery, silver and pewter articles such as cutlery and sets, wallpaper, textiles such as clothing, fabrics, carpets, table cloths, napkins and wall hangings, drinking glasses, carafes and glass vases, advertising art, posters and much more. Although he was a self-educated industrial designer, Peter Behrens was first and foremost an architect. During the first three decades of the 20th century, numerous villas, residential buildings, industrial facilities and worker housing estates were built according to his designs. Peter Behrens has influenced or played a decisive role in designing practically every area of life, the working world, its products and amenities. Like Henry van de Velde, Peter Behrens was an »all-around« artist, too. After 1901, he established himself as one of the most important architects of modernism, leaving behind a rich legacy of industrial and administrative buildings, villas and entire housing estates. Behrens is also renowned for his role as mentor to Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, and even Le Corbusier for a time. From Jugendstil to Industrial Design Thanks to the fervent interest in Behrens’ works by a private collector from Hamburg over many decades, the Kunsthalle Erfurt can now exhibit a vast collection of furnishings and household articles designed by this exceptional artist. The collection contains nearly the entire oeuvre of Behrens’ handicraft, excellent furniture, books and other artworks associated with the artist. Concurrent with the major exhibition of Henry van de Velde’s complete works in Weimar, this exhibition focuses on Peter Behrens artistic works, supplemented with selected pieces by other renowned designers. The Hamburg collection offers a myriad of comparative examples, including rare works by Christopher Dresser who remains relatively unknown in Germany. Older than Behrens by a generation, this English designer was one of the pioneers of modernism around 1900. Precious handcrafted works produced in the Viennese workshops of Josef Hoffman and Kolo Moser, and works by Richard Riemerschmid and Henry van de Velde round off this extraordinary panorama. For the first time since 1980, visitors have the opportunity to rediscover the extensive range of works by Peter Behrens during the Van de Velde Year 2013. It offers a unique opportunity to experience simultaneous exhibitions, featuring two of Germany’s most important designers of modern times. An exhibition of the Van de Velde Year 2013 in Thuringia, organised by the Klassik Stiftung Weimar www.kunsthalle-erfurt.de

Bruxelles

Hokusai - Vues du mont Fuji et autres paysages du Japon
Dates:27/03/2013-09/06/2013
Hokusai (1760-1849) est probablement un des artistes japonais les plus célèbres. Après une carrière exceptionnellement longue, il nous laisse une œuvre très diversifiée de peintures, d’illustrations de livres, d’estampes reproduisant tous les thèmes classiques : des portraits d’acteurs ou de belles femmes et des paysages. Ce sont surtout ces derniers qui ont fait sa réputation, aussi bien au Japon de son vivant, qu’en Occident jusqu’à aujourd’hui encore. Ses représentations du mont Fuji sont la représentation par excellence de l’art de l’estampe japonaise et du pays même. Respectant tout à fait la tradition japonaise, ses paysages sont rarement vides de toute présence humaine. Dans son cas, ce sont des gens ordinaires vaquant à leurs activités quotidiennes, et non des acteurs célèbres, des héros ou d’illustres beautés. L’exposition présente des estampes japonaises sélectionnées au sein de la riche collection des Musées royaux d’Art et d’Histoire qui en compte environ 7.500, la plupart étant encore dans un état exceptionnel de conservation. Durant un peu plus de deux mois, vous pourrez admirer une cinquantaine d’œuvres d’Hokusaï ainsi que quelques travaux de ses élèves. Les exemplaires les plus précieux seront changés après un mois. Une des œuvres sélectionnées sera montrée au public belge pour la première fois : le « Livre illustré de la Sumida – les deux rives en un seul coup d’œil » (Ehon Sumidagawa - Ryôgan ichiran). Réalisé en 1803, il représente une exception dans l’œuvre paysager d’Hokusaï. À la place de paysages isolés, l’artiste dessina une vue panoramique en continu de la rivière Sumida, depuis la baie d’Edo jusque dans la capitale, en traversant les quatre saisons. L’œuvre a été publiée l’année passée aux Éditions Hazan, incluant la traduction des poèmes qui accompagnaient les dessins. Changement des estampes les plus fragiles visible à partir du mardi 30 avril Fête des enfants, dimanche 5/05/12, journée spéciale

Paris

Les impressionnistes slovènes et leur temps (1890-1920)
Dates:18/04/2013-13/07/2013
La Slovénie dépend encore de l’Autriche quand elle commence à s’ouvrir à la modernité à la fin des années 1880 en même temps que s’y affirme un fort sentiment d’identité nationale. L’émergence d’un courant de peinture original dans ce pays est contemporaine de la création des sécessions de Munich (1892) et de Vienne (1897) et des expositions internationales qui se tiennent à Milan et à Venise (première Biennale en 1895) où s’impose un groupe de peintres italiens alliant néo-impressionnisme et symbolisme et dont l’œuvre de son principal représentant, Giovanni Segantini, eut une grande influence dans cette partie de l’Europe. Seront également évoquées les belles réalisations architecturales de Jože Plečnik, Maks Fabiani et Ivan Vurnik qui firent de Ljubljana une ville moderne après le tremblement de terre qui la détruisit en partie en 1895.